Crazy For dos and don'ts

音を楽しむことを。日々の無常を。心の遊びを。

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「音楽は腰で聴け」
スガシカオのことばである。

現在の所属事務所の社長に
送ったデモ・テープに
スガ・シカオがつけた手紙がある。
「お望みの音楽ではないかも
しれませんが、世紀末に来るのは、
クールでドライなファンクだと
思います。」
そう記されていたらしい。

「クールでドライなファンク」

Funkyとは、
「スラングで泥まみれの
労働で疲れた黒人の汗のにおいに関係
した表現」らしい。(「ジャズの歴史」
相倉久人著)

FUNKの出発点とは、
ピーター・バラカン氏の
「ソウルのゆくえ」によると
「60年代半ばの
ジェイムズ・ブラウン
のサウンドにある」らしい。

シンプルなリズムで
「リズムの微妙なため具合」。
レイド・バックしたリズム。
♪ ♪ ♪の各音符の後ろの部分
で叩く感じ。
このリズムを強調しているのが
FUNKかな。言葉で言うと難しいが。

一番自分がFUNKを感じるのが
SLY&THE FAMILY STONEの「暴動」。
あれこそドFUNK。

「クールでドライとは」、
もしかしたら「柔らかなカオス」
「局所的カタストロフの
予感」などと村上春樹氏に
表現されている歌詞
(「意味がなければスイング
はない」村上春樹著)や、

SLYと比べて若干明るめなリズムの
ニュアンスからかもしれない。

なぜ、世紀末にはファンクか?
あえて言うなら、「脳化社会」VS「腰」かな?

脳化社会は、
「その社会が(中略)もっぱら
脳の産物によって」造られる。
「つまりそこでは、すべては
いったん脳を経る、すなわち
人工化する。
注意するべき点は、
そうした脳化に
つれて自然は排除される
ということである。」
(養老孟司著「日本人の身体観」)
同著によれば、江戸時代が脳化社会
の始まりらしい。

現代社会は明らかに脳化社会。
「自然の浸透力」ははるかに薄く
なっている。

さらに世紀末以降、社会に対する
身体感というか、
身体が存在するという意識
が乏しくなっている
ような気がする。

FUNKはまさに身体つまり「腰で聞く」
音楽。FUNKは、身体に効く。

身体性が喪失した?脳化社会
では、FUNKが効く。

そのFUNKをライブで聴くと、
身体性が蘇る気がする。
「ふーっ生きている」
という感じ。

以前、ライブは、
観客とアーティストの
コミュニケーションが濃いもの
が好き
と書いた。
このコミュニケーションは、
身体対身体のものである。

いわば、人工社会での
身体に近いところの
表現がライブハウスではある。
特にFUNKのライブでは。

FUNKだけではないが、ライブの
魅力が大いにつまったと思われる
スガ・シカオのライブアルバムが来週でる。

まだ聞いていないが、
自分も楽しみにしているアルバム
である。



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先日発売になったシングル
「フォノスコープ」に収められている。
スガシカオの最新作。
自分は昔からのファンで、今年
2月の10周年武道館ライブにも
行きました。

「フォノスコープ」。英語でphonoscope。
造語である。「音をみる望遠鏡」と
いうような意味らしい。

この人の歌の根底にあるのは、
絶望や孤独なんだろうなぁ。

そんでもって、それから
何ができるか考える。一歩足を
踏みだそうとする。そういう
歌だと思う。

なんかね、このCD聴いていると
スガシカオがPOPなMASSに歌っている
ような。でも、しっかりスガシカオ
らしさは残している。

梅田望夫氏の『「好きを貫く」
のはそんな簡単なことではない。、、』

に通じるかな。ちょっと
道がそれすぎかもしれないが。

収録曲2曲目。
「坂の途中」アルバム「sugarless」
の最後の曲のリメイク。アレンジが
オリジナルとはまったく異なる。

オリジナルは「残暑厳しい夏の終わり」
No Music,No Beer,No Lifeさんの
フォノスコープより
)のようで、
坂を上る友達(彼女?)らしき人
に、けだるく語りかける形
となっている。突き放している。

この曲聴くと司馬遼太郎の「坂の
上の雲」を思い出し、単行本の
カバーの絵を思い出す。

新しいアレンジ聴くと、
リズムが明るい。
この歌で、坂を上る人
と今のスガシカオが同一目線
のような気がする。
「ちょっといやだなぁ、
でもまぁ登るか。」といいながら
登るスガシカオの姿が浮かぶ。

そう、坂がどういうmetaphorか
分からないが、坂はちょっとしんどい
またはかなりしんどいと思う。

んじゃ、しんどさを好きになれば
いい。仕事も坂みたいなもんさ
とすると、、、、。
小飼弾氏「好きを仕事に
するな。仕事を好きにしてしまえ」

これもいえると思う。

でも、まぁ登っていきゃあ
なんか風景が違って見える
でしょう。

音色、アレンジ、歌。このCDかっこいい。

いいCD!

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昨日中島美嘉最新作に
アラン・トゥーサンが関わって
いることについて書いた。

アラン・トゥーサン。New Orleans Funk
の大御所。“All Hands Together”では
New Orleansサウンドでよく使われる
セカンド・ライン・ビートが印象的。

うまく表現できないが、
「ターッ、ターッ、ターッ、タッタッ」
のハンド・クラッピングのビートが
特色的な躍動感あるビート。かな?
セカンド・ライン・ビートは。

ピーター・バラカンの本「ソウルのゆくえ」で
「ブラスバンドがやる4分の3拍子ではなく、
もう少しシンコペイションを加えたリズムを
打つのが」それの「ならわし」であるらしい。

時代の先端を行く中島美嘉さん
のようなアーティストがこの
今New Orleansか?

いろいろな事情があると思うが、
音楽的には、昔の音楽の再評価。
根っこを確かめる作業が必要なのでは?
と思っているでは。

丸山茂雄さんの「一歩後退2歩前進」
「ポップスの世界も 一度少し前に戻ったほうが
いいのかもしれません。」と書いている。
(但し、氏の他のエントリーも読まなければ
意図を取り違えるのでご用心)。

そう、今本当にNo1ドラマーといえる
Steve Jordanが音楽監督を務めた
“Lightning In the Bottle"等のBlues再評価
の動きも同じ文脈で語れるかもしれない。

ちなみに“Lightning In the Bottle"は大好きな
DVDなので後日書くが、その中でNew Orleansサウンド
の代表作「ビッグ・チーフ」をネヴィル・ブラーザーズ
が演奏している。これもセカンド・ライン的。
いいなぁ、この明るさ(実はこの明るさの陰には
すごい暗さがあるのだが)。

New Orleansといえば、ジャズ発祥の地とも言われている。
その頃の雑多なGumbo SoupのようなNew Orleansの
ジャズを題材にした筒井康隆氏の「ニューオーリンズの
賑わい」(短編集「ジャズ小説」の一話)は必読!


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